Für ihr neues Gemälde „The Sparrow Is Never Lost“ (2026) hat Michaela Yearwood-Dan erdige Lasuren in Orange, Rot und Rosa auf zwei waagrecht gestapelte Leinwände aufgetragen. Die Oberfläche zieren braune und grüne Glasperlen sowie Zeilen handgeschriebener Texte. „Aint no shame in me“ lautet eine Zeile. Diese Aussage spiegelt den Geist der gesamten Ausstellung, in der das Werk zu sehen ist, wider: Sie heißt „The Practice of Liberation“ und ist derzeit in der Whitworth Art Gallery in Manchester, England, zu sehen.
Die 32-jährige Yearwood-Dan wuchs in einer christlichen Arbeiterfamilie im Südwesten Londons auf, wo sie eine katholische Mädchenschule besuchte. „Wenn die Leute das hören, gehen sie automatisch davon aus, dass ich dort eine schreckliche Zeit hatte“, sagt sie während eines Videocalls aus ihrem Atelier in East London. Sie selbst sieht diese Phase ihres Lebens eher ambivalent. Einerseits wurde sich die Künstlerin, die sich als queer identifiziert, ihrer Sexualität bewusst und begann, die Geschichte und Politik der Kirche zu hinterfragen – insbesondere deren Verbindungen zum Kolonialismus. Andererseits genoss sie es auch, inmitten von Nonnen aufzuwachsen, die ihr, wie sie sagt, beibrachten, „wie man eine Feministin ist“. In der Whitworth Art Gallery, wo sie ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Großbritannien präsentiert, gibt sie diesen konträren Gefühlen einen Raum.
Der schwach beleuchtete, offen gestaltete Ausstellungsraum strahlt eine fast kirchliche Atmosphäre aus, die durch eine im Hintergrund erklingende Chorpartitur (komponiert von Alex Gruz, einem langjährigen Freund der Künstlerin) ebenso unterstrichen wird wie durch die Werke selbst. Organisch geformte Keramikgefäße stehen auf Sockeln und sind – wie religiöse Skulpturen in einer Kathedrale – über den ganzen Raum verteilt. Diptychen erinnern an Buntglasfenster; Davor stehen Bänke, die mit abstrakt gemusterten Fliesen verziert sind. Einige dieser Werke enthalten zudem Textfragmente (darunter Zeilen aus Tagebucheinträgen, Liedtexten und Gedichten), Blumenmuster und kleine, glitzernde Objekte wie Blattgold. Dadurch werden persönliche, politische und kulturelle Bezüge zu einem kaleidoskopartigen Effekt vermischt. Diese Technik begann Yearwood-Dan kurz nach ihrem Abschluss an der University of Brighton im Jahr 2016 zu entwickeln. „Man kann ein ganzes Gemälde aus fünf Metern Entfernung als Gesamtkunstwerk betrachten. Doch sobald man näherkommt, entfaltet es eine völlig andere Wirkung“, so die Künstlerin.
Mit diesem Kunststil hat Yearwood-Dan viele Fans gewonnen. Ihre Werke wurden international ausgestellt, unter anderem in den Vereinigten Staaten, Italien, China, Marokko und Großbritannien. Im Jahr 2019 wurde sie von der in London und Lagos ansässigen Galerie Tiwani Contemporary aufgenommen und einige Jahre später von der New Yorker Marianne Boesky Gallery. Im Jahr 2023 wurde eines von Yearwood-Dans Gemälden bei Christie’s London für 730.800 britische Pfund (damals rund 770.000 Euro) versteigert – mehr als das Zwölffache der höchsten Schätzung. Im folgenden Jahr schloss sie sich Hauser & Wirth an und wurde damit eine der jüngsten Künstlerinnen im Portfolio der Galerie. Bei der Eröffnung von „No Time for Despair“, ihrer ersten Soloausstellung in der Galerie, bildeten sich Besucher-Schlangen entlang der Savile Row und um den ganzen Block herum.
Mit dieser Ausstellung eröffnete die Künstlerin dem Publikum einen Raum, um sowohl über „das, was sich in der Welt schwer anfühlt“ nachzudenken, als auch „dem zu entfliehen“, sagt sie – etwa mit Gemälden und Vasen, die sich mit Themen wie Weiblichkeit und dem Aufbau queerer Gemeinschaften auseinandersetzen. Jetzt, im Whitworth, beschäftigt sie sich eher mit „Gefühlen, denen ich ausweichen wollte“. Sie möchte „Religion dezentralisieren, aber Dezentralisierung bedeutet nicht völlige Abkehr“, sagt sie. Stattdessen möchte sie etwas Weitreichenderes abbilden.
