Nora-Swantje Almes ist Kuratorin für Live-Programm und Vermittlung am Gropius Bau in Berlin und in diesem Jahr für den österreichischen Pavillon an der Biennale in Venedig zuständig. Sie hat in Düsseldorf, Leipzig und London studiert und unter anderem an der Bergen Kunsthall in Norwegen gearbeitet. Für die 61. Ausgabe der Kunstbiennale von Venedig wählte sie die Theaterregisseurin und Performance-Künstlerin Florentina Holzinger.
Was können wir von Ihrem Pavillon auf dieser Biennale erwarten?
Florentina Holzingers SEAWORLD VENICE ist als Kläranlage, Sakralbau und Unterwasser-Themenpark zugleich konzipiert. In ihrer Arbeit steht der reale Körper – in all seiner Verletzlichkeit und Stärke – stets im Mittelpunkt. Während der gesamten Biennale werden Performer den österreichischen Pavillon bewohnen, und wir benötigen den physischen Beitrag der Besucher, um das System, das Kunstwerk, am Laufen zu halten. SEAWORLD VENICE ist ein apokalyptisches Szenario, das in einigen Teilen der Welt bereits Realität ist: Leben im Abfall anderer, was unsere Mitschuld am kollabierenden (Öko-)System direkt visualisiert. In unserer sich wandelnden Welt scheinen Natur und Technologie in Symbiose zu stehen – bis das System sich selbst zerstört. Der Pavillon wird sich in ständigem Wandel befinden, wobei körperliche Präsenz zu jeder Zeit gegeben ist. Er wird zu einem unkontrollierbaren maschinellen Organismus. Es ist unheimlich, es ist lustig, es bewegt mich tief. Ein spaßiger Wasserspritzer hier und da trifft auf die ernüchternde Realität einer sinkenden Stadt, beschleunigt durch menschliches Handeln und den stetigen Zustrom von Biennale-Besuchern.
Warum haben Sie sich für diese Künstlerin und dieses Konzept entschieden?
Ich bin seit langem fasziniert von Florentinas Bildsprache und ihren Kompositionen in ihren Bühnenwerken. Motorräder in der Luft; eine Vielfalt an weiblich gelesenen Körpern auf der Bühne, die die vorherrschenden Narrative der westeuropäischen Kultur verändern. An Haken hängend oder schwere Maschinen kontrollierend, widersetzen sie sich geschlechtsspezifischen Erwartungen und auferlegten Schönheitsidealen, die von patriarchalen Systemen aufrechterhalten wurden. Florentina verschmilzt Low und High Culture, Spektakel und Subversion und stellt konsequent die Ordnung der Dinge infrage. Sie lässt uns die Zustände der Welt betrachten und fühlen und öffnet rigoros ein volles emotionales Spektrum. Als Kuratorin, die mit Performance in den bildenden Künsten arbeitet, ist es ein spannendes Experiment, mit Florentina und ihrem Team zusammenzuarbeiten, um diese Praxis in einen neuen Ausstellungskontext zu bringen. Die Idee von SEAWORLD VENICE geht von der Stadt selbst aus. Venedig schwebt zwischen Schönheit und Kollaps, ein Freilichtmuseum, in dem Turbo-Tourismus auf ökologische Prekarität trifft. In gewisser Weise wird das Wasser zum Spiegel für den Besucher und SEAWORLD VENICE zu einer Begegnung mit sich selbst.
Inwieweit fordert die Arbeit im österreichischen Pavillon traditionelle Vorstellungen von „Österreichertum“ heraus oder dekonstruiert diese, und welche neuen Narrative oder Identitätskonzepte werden dabei sichtbar?
Ich denke, der österreichische Pavillon dekonstruiert in diesem Jahr die nationale Logik des 19. Jahrhunderts, die in den Giardini so präsent ist. Wir sind ein großes Team aus 17 Nationalitäten. Dieser Ethos der Zusammenarbeit, des Netzwerkknüpfens, des Hinausreichens in die Welt, anstatt in nationalen Grenzen zu verharren, erweitert sich auf unsere internationalen Partnerschaften, die wir durch das Projekt und Florentinas Praxis aufbauen konnten. Florentinas Arbeit und dem Team, das sie über die Jahre aufgebaut hat, wohnt ein starker gemeinschaftlicher Aspekt inne. Einander zu unterrichten und Wissen weiterzugeben, wird fast zu einer weiteren Form der Reproduktion. Ihre Besetzungen sind sehr divers und variieren in Fähigkeiten und Alter – das schafft natürlich ein neues Gespräch im Rahmen zeitgenössischer Diskussionen über Körperpolitik: Wessen Körper und Geschichten dürfen auf der Bühne präsentiert werden und nun den österreichischen Beitrag in Venedig verkörpern?
Wie würden Sie die Kunstszene in Österreich heute im Allgemeinen definieren?
Österreich hat eine florierende Szene und ist an der Schnittstelle von Theater, Tanz, Performance und bildender Kunst mit Festivals im ganzen Land sehr stark aufgestellt. Festivals wie die Tangente St. Pölten und der Steirische Herbst spielen eine Schlüsselrolle, da sie disziplinübergreifend experimentieren. In Wien sind Institutionen wie das Tanzquartier Wien, die Kunsthalle Wien und der Kunstraum Niederösterreich Ankerpunkte für eine Kunstökologie, die performative Praktiken umfasst und genreübergreifend arbeitet. Ein weiterer wichtiger Faktor sind die Galerien und von Künstlern geführten Räume: Ich bin ein großer Fan des Formats „curated by“ – jeden Herbst werden internationale Kurator eingeladen, Ausstellungen in Wiener Galerien zu gestalten, was neue Impulse, Künstler und Perspektiven bringt. All dies ist miteinander verwoben – auch mit einem reichen kunsthistorischen Erbe – was einen sehr fruchtbaren Boden für aufstrebende Praktiken schafft.
Was ist Ihrer Meinung nach die Rolle und der Zweck eines Kunstereignisses wie der Biennale im Jahr 2026?
Lustigerweise fühlt es sich wirklich wie die „Olympiade der Kunst“ an. Im Dorf der Giardini kümmern wir uns um die Nachbarn und achten darauf, dass wir nicht zu laut sind. Ei Arakawa-Nash aus Japan machte neulich Nachmittag seine Runde und servierte Tee… Aber Spaß beiseite: Die Biennale ist immer ein Testgelände, ein Raum, in dem politische Spannungen und die Sorgen der Welt ans Licht kommen sollten und dies auch tun. Es ist ein Ort, an dem im Idealfall verschiedene Positionen im Widerspruch koexistieren können, an dem Debatten möglich sind und wir sehen, was Künstler in diesen Zeiten für dringlich halten. Es ist ein hochgeladener Kontext, aber sicherlich einer, in dem ich immer wieder neue künstlerische Positionen aus verschiedenen Teilen der Welt entdecke, die ich dann weiter verfolge.
Welche Emotion oder Reaktion erhoffen Sie sich vom Publikum?
Wie immer möchte ich, dass die Menschen eine bedeutsame Begegnung haben. Vielleicht überrascht zu werden, definitiv herausgefordert zu werden, im Innersten berührt und erschüttert zu werden.
Auf welche Pavillons anderer Länder sind Sie besonders gespannt?
Natürlich bin ich sehr neugierig auf die Arbeit von Miet Warlop im belgischen Pavillon, Dries Verhoeven aus den Niederlanden und Ei Arakawa-Nash, der Japan vertritt. Diese Künstler sind alle in Performance-Praktiken verwurzelt; sie wenden unterschiedliche künstlerische Strategien an, wie man sich der Komplexität lebender Körper im Ausstellungskontext über die Dauer der Biennale nähert. Ich freue mich sehr auf diese Begegnungen.
